Category: Reviews

Video Game of the Moment: Art of Fighting 3: Path of the Warrior

Once upon a time in 1996, in the corner of a local arcade stood a conversion kit machine with Art of Fighting 3: Path of the Warrior inside. The owner of the arcade loved to change his kits in sequence. Next to the aforementioned kit was a Street Fighter Alpha 2 conversion kit machine, which previously housed its prequel. Prior to Art of Fighting 3, Art of Fighting 2 was there; when it ran its course of popularity, it was replaced by its sequel.

118124204965

AoF3 title screen (arcade-museum.com)

Art of Fighting 3 ran for quite a while at the arcade. I always suspected that the owner had a soft spot for Neo-Geo fighting games, as he had dedicated cabinets for those; there was one for the World Heroes series, one for King of Fighters, one for Fatal Fury (which carried over to the Real Bout series), one for Art of Fighting, one for Samurai Shodown, and one for Neo-Geo fighting games without sequels (there were definitely some of them). Among these, my favorite remained the Art of Fighting 3.

Make no mistake, I was not actually good at playing the game. I think I only managed to finish the game twice, both with additional credits because the boss was so cheap (most SNK fighting game bosses are cheap). It was certainly comparable to Street Fighter III (although Art of Fighting 3 was released slightly before Street Fighter III) in the sense that it introduces mostly new characters, keeping only Ryo and Robert (the “Ryu and Ken” of the series) in the roster. Sadly, most of these characters are not memorable and enjoyable to play as even though some of them can be quite fun once their moves are mostly figured out. The story of the game itself is a departure from the conflict with the top mobsters of Southtown (Mr. Big and Geese Howards). This is understandable as the main plot of the series is considered wrapped up and segues into the Fatal Fury series. This third game tries to answer the question “what happens to Ryo, Robert, and Yuri after they are no longer the main fighters in Southtown?” Well, the answer is they travel to Mexico on a side quest to help Robert’s old friend Freia tie some loose ends. This side quest is reflected in the game’s original Japanese title, Ryuuko no Ken Gaiden, which translates to Fist of Dragon and Tiger: Side Story. It is probable that the series never continued after this installment because the side story concept never actually caught on with fans of the series. Despite these shortcomings, the game was a joy to play even if I lost often, marvelous to look at, and enjoyable to listen to.

3-aof3

The Gameplay

The fighting engine of Art of Fighting 3 certainly possesses a certain depth into it, and it is much deeper than that of its prequel. Many elements return from the prequel, such as the taunt button and the spirit gauge. The speed of the game also does not change much and it does encourage players to be more tactical and methodical with their offense and defense. It certainly does not offer a turbo experience like the Street Fighter series or a fast-paced, offense-heavy system of the King of Fighters.

The first thing I noticed upon playing the game for the first time was the removal of stronger attacks executed by holding the button. The punch and kick buttons now do normal attacks with normal damage; the way you combine these buttons with the directions of the joystick now determines also the strength of the attacks (for instance, pressing away and kick will execute a strong roundhouse kick for most characters). The third button is reserved for throws (although you can also throw with the punch button) and character-specific strong attacks.

As polygonal 3D fighting games became more popular at that time, the series actually borrowed some gameplay elements from them. The most noticeable element is the ability to land one more hit after your opponent falls to the ground. However, one immense element that most reviews do not mention is the introduction of the rushing chain combo system, which can be found in most 3D fighting games at the time, in which a character rushes forward accompanied by certain button combinations that can also be improvised, but for most characters the easiest way to do this is to rush forward a little bit (don’t let your character run too far) and press punch button twice for a one-two jab combo, followed by pressing the kick button twice. For Ryo, for example, this combo translates to two alternating jabs and two alternating roundhouse kicks. Art of Fighting 3 does this very fluidly and it can be very fun to do, catching your opponent standing off-guard with one punch and juggle that opponent with some other attacks. The only thing that lessens your enjoyment of this is the fact that AoF3 is not a flashy game, so there is no audio or visual announcements of your success in chaining seven attacks, for instance. This rushing combo system has a certain depth into it, in which you can cancel your attacks and execute special moves amidst the chain to further the damage you do to your opponent. It is also important to note that not many 2D fighting games actually do this. Most of the games that can do this are actually later SNK fighting games, such as the later sequels of Samurai Shodown and Last Blade series.

The Visuals

Art of Fighting 3 is a stunningly beautiful game to look at. The trademark sprite and background scaling and zooming return from the prequel, but the graphics have been completely redone. The quality of the graphics is perhaps the best that the old Neo-Geo MVS could eke out at that time. The animation is fluid and the movement realistic, yet they do not sacrifice the details in character design and the use of vibrant colors. Watching someone else play AoF3 is like watching an animated movie in which the level of interactivity is very high, unlike the interactive movie “games” released for early CD-based consoles at that time. Just see for yourself (video courtesy YouTube channel Old School Gamer – Jogatina Clássica).

 

The Music

I have to admit that what drew me first to this game is the music. Not many arcade games at the time had jazz fusion music for their soundtracks, and at first I couldn’t believe that the music came from an Art of Fighting game. Although the music is based largely only around a couple of themes (Ryo and Robert’s themes), it is very well composed and presented in richly arranged movements with great jam tracks. It might be strange to find a fighting game soundtrack with a lengthy, seemingly improvised jazzy solos, but it really works for the AoF3’s visual style and atmosphere. Since the game is set in Mexico around Cinco de Mayo, there is also certain influence from Mexican carnival and mariachi music, which adds richness to the audio presentation of the game. The original soundtrack is amazing as it is, but the arranged soundtrack takes the jazz fusion concept even further.

Art of Fighting 3 is the last of a short-lived SNK fighting game series. It is not as fondly remembered as its sisters franchises, Fatal Fury and King of Fighters. Due to gameplay and story departure, it is even not as fondly remembered as its prequels. However, its audio and visual presentation is also the only and the last of its kind, and it is for this reason that this game is highly recommended for any gamer looking to find a break from the usual fighting game fares of speedy gameplay systems and loud, banging rock soundtrack.

 

Advertisements

Live Album at the Moment: Various Chicago Bootleg Albums of Their Performance at Toronto Rock n’ Roll Revival 1969

frontcovercopy

My cassette had the exact same photo on the cover. Interestingly, this photo couldn’t have been from 1969, as this stage design was clearly from their later world-touring days. The photo was taken from http://rockasteria.blogspot.com/2012/02/chicago-live-in-toronto-1969-us.html, where you can also find the original liner note for this live album (that is sometimes missing in later releases).

As a fan of the music of Chicago the band, particularly their earlier outings in the late 1960s and early 1970s, early in my fandom days I had always wondered how they sounded on stage at that early age. Having read that they were a great improvisational/jamming unit, I had been genuinely curious. However in the early 2000s in Indonesia, finding out how the early Chicago sounded was nigh impossible. The internet only offered snippets of their performances, compressed in the lowest bit-rate possible to accommodate streaming through a dial-up connection. The band’s lavishly packaged Chicago Live at the Carnegie Hall was never officially released in Indonesia, and finding a copy was quite a tall order. I actually did locate a copy, but the exorbitant price was too much for a high school graduate who was penniless while waiting for the good news of enrollment at a public university.

A year prior, I had acquired a (pirated) copy of the concert film Chicago… and the Band Played on… It was an okay and somewhat exciting performance (despite the absence of founding member and trumpeter Lee Loughnane), but at the time of the performance in 1992, the original rhythm section left only Robert Lamm on keyboards. How fierce could Terry’s guitar playing be on stage early in his career? How did Peter Cetera’s voice hold up on stage at this point? Did Danny Seraphine get all his chops together on stage? These were the questions that popped up in my genuine curiosity.

Enter Chicago at Toronto Rock Festival 1969. Upon listening for the first time, it was clear that it was a bootleg-quality recording, although it might have only been a poor recording of what was happening at the soundboard. The quality of the sound was only marginally better than the streamed snippets online, but of course the cassette won out because it was the whole set that the band played at the festival which, many years later, I found to be actually named Toronto Rock and Roll Revival, at which Chicago shared the stage with, among others, John Lennon and the Plastic Ono Band whose performance was released as Live Peace in Toronto and was perhaps the most popular among other releases by other artists from the same stage.

Despite the sub-par recording quality, the album did quench my thirst of early Chicago live performances. Years later, I found that the performance was released by many other questionably named labels using various titles, such as Chicago in Concert, Chicago Live ’69, Chicago Beginnings, and the latest was perhaps Chicago Best Alive. You can listen to the entire set on YouTube, as several users have already uploaded it under various titles. The cleanest sound so far can be listened to here: https://www.youtube.com/watch?v=UGrni-S3NRA (no copyright infringement intended).

The track listing varies widely, but at that point Chicago would open any set with “Introduction.” But on most of these releases, “Introduction” is nowhere to be found. It was often mislabeled as “Beginnings” and the actual “Beginnings” song (the encore of the set) is sometimes not included in cassette and LP releases due to time constraint. The Beginnings and Best Alive (both originally released on CD) have the distinction of listing two “Beginnings”: one is the actual “Beginnings” and the other is “Introduction.” Some releases list “Introduction” as simply “The Intro Song.” Some songs have been mislabeled as well: “South California Purples” is usually listed as “The Purple Song” and “Questions 67&68″‘s numbers are sometimes missing. What a confusion!

Back to the set, the band started out song with “Introduction” and the Toronto version of “Introduction” was my first time listening to the full version the song. It was mind-blowing and life-changing. The band had so much energy on stage back then and Terry Kath was such a driving force. His voice soared and his solos ripped through at the midsection of the song. The song has many movements (an early Chicago quality that I learned upon listening to this live set) and the band transitioned smoothly from one movement to the next. Peter Cetera was clearly an unsung and underrated bass hero; his busy bass lines accompanied the songs, particularly “Introduction”, perfectly. The horn section’s set of lungs (Hendrix was right all along!) was nothing short of awesome, but they were recorded a bit thin here; this clearly was also the problem with recording horn instruments perfectly on stage at that time. Even in official releases such as At the Carnegie Hall and the recently released Live in ’75, the horn was hardly ever entirely justifiably represented.

Other highlights of the set include “25 or 6 to 4”, which at that point had not yet been released and “Liberation.” The highlight of “25 or 6 to 4” is certainly the solo, and Terry was famous (and infamous) of coming up with a different improvised solo every time the band performed the song on stage. The solo in this version does not sound as heroic as the final recorded version, but its melodic approach in this version showcases Terry’s improvisational prowess. I also dare say that I actually like the Toronto version of “Liberation” better than the album version. In this 16-minute jam track, Terry sounds more emotionally involved in his lengthy solo and the moment he finally burst into an improvised line to address the audience as the jam is over is truly a precious rock concert moment.

Chicago’s 1969 Toronto performance was the first widely available unofficial live album of the band. It is nowhere near as lavish as the Carnegie Hall set, but for financially challenged fans of the band (myself included) it certainly is more affordable. In recent years, live recordings of the band on stage early in their career have popped up on YouTube and in streaming sites such as Wolfgang’s Vault, and the Live in Tanglewood video is increasingly becoming the moving image of the band in their early days (Watch it here https://www.youtube.com/watch?v=_oAoSZ2y1cw if you haven’t. The audio and video have been remastered to an excellent quality. I teared up when I first watched the video; it was that moving and beautiful). There is basically no reason to own their 1969 Toronto set now, except if you are an avid and devoted fan, but it really is worth it to stream on YouTube or any other streaming sites if what you are looking for is the band expressing their raw power early in their career, trying to make a good impression and win new fans in a neighboring country.

 

Bee Gees 1st at its 50th

Bee Gees 1st was released fifty years ago yesterday. Contrary to its own title, it was not the Bee Gees’ first long-play or full-length release. It was titled and marketed as such to mark the then-quintet’s (the three brothers and two other unrelated musicians) first foray into the international music market, following their considerable success in the brothers’ adopted homeland Australia with a string of singles and a couple of long-plays.

bee_gees27_1st

As an album released in both the US and the UK in 1967, it was facing stiff creative competition from many great albums also released in the same year (just look at Robert Christgau’s list of influential 1967 albums (https://www.robertchristgau.com/xg/rs/albums1967-07.php); How dare he missed July and not included 1st?), including that little album called Sgt. Pepper and the Lonely Hearts Club Band just released in the preceding month of June. However, the singles persevered and the Bee Gees went on to become pop sensations themselves as the hits kept coming.

1st also marked the Bee Gees’ first taste at international pop stardom, with the singles taken off the album charting highly in many places, including the now-classic “Holiday”, “New York Mining Disaster 1941”, “To Love Somebody”, and “I Can’t See Nobody”. The longevity of these singles and the brothers’ subsequent chart success have somewhat overshadowed the excellence of the rest of the album, which showcases that the brothers were an energetically psychedelic songwriting powerhouse.

1st is certainly not a very unified and conceptual effort compared to the likes of Sgt. Pepper and the Moody Blues’s Days of Future Passed, but it is a journey through the many creative possibilities that the brothers explored throughout the album. The album opens with “Turn of the Century”, a note on the fascination of the late Victorian era accompanied with a clever orchestration and studio production that imparts an old record sound; Robin Gibb’s trembling voice only strengthens this image. The bleak and haunting yet beautiful melody of “Holiday” soon follows. Just after “Holiday” ends with a cold “dee dee dee dee dee”, a loud drum fill suddenly segues into “Red Chair Fade Away” , a short psychedelic trip, with odd time signatures and far out lyrics. “One Minute Woman” is a sappy ballad that shouldn’t have had any place in the album, but somehow it just works thanks to Barry Gibb’s excellent delivery. This is again contrasted with the following “In My Own Time” which hails back to the garage-y sound they explored in Australia combined with a certain strain of Revolver/Rubber Soul Beatlesque influence. Bringing the contrast game even further, the album continues with the eerie “Every Christian Lion-hearted Man Will Show You” which opens with a haunting Mellotron intro and Barry Gibb singing in Latin in a very low register, resembling a Gregorian chant, which is then broken off by guitar strumming and a clever three-part harmony melody. Up to this point, it is evident that the brothers (particularly Barry and Robin) excelled at any kind of form they experimented in, had two magnificent singers in Barry and Robin (whose unique voice is further explored in “Craise Finton Kirk Royal Academy of Arts”, a Kinks-ish tune), and had a strong three-part harmony (with Maurice giving the ample low end to the two singers) which would soon become their trademark characteristic.

“New York Mining Disaster 1941” continues the bleak but beautiful approach of “Holiday”, and adds an interesting narrative quality through its lyrics of a monologue of a person trapped in a mine shaft, inspired by actual mining disasters. At this point, it can also be concluded that Barry and Robin are lyricists who took very interesting, rather unusual points of view in their often narrative lyrics, which was also evident in the following “Cucumber Castle”, a rather puzzling story of a person and his attachment to his property, accompanied by a dramatic orchestration. “To Love Somebody” and “I Can’t See Nobody” prove that the then-current proto-psychedelic wave wasn’t the Bee Gees’ only influence. These were certainly influenced by that decade’s soul music and R&B, particularly Motown; it is interesting to hear that the former song showcases Barry at his most soulful, while the latter portrays Robin in a very similar light. Between these two is “I Close My Eyes” a very catchy and enjoyable psychedelic romp. “Please Read Me” follows the same vein as “Red Chair” but with the vocal harmony sustained throughout the song. The album ends with the excellent “Close Another Door” which starts out with Robin’s lamenting voice which suddenly burst into a rocking middle, and ends tastefully in orchestration and Robin’s majestic ad-libbed cadenza.

1st is a truly swirling journey from start to end. It is an album I would definitely recommend to people starting to get interested in psychedelic music, people who appreciate crafty songwriting and harmony singing, and even casual Bee Gees listeners who want to find out more than the brothers’ usual One Night Only set. It is also an album from 1967 I would definitely recommend among many other great albums released in that very crowded year in popular music in English.

Berburu CD Musik di Lawrence (bagian 1)

Satu hal yang dulu saya impikan untuk dilakukan di Amerika Serikat dan sekarang sering saya lakukan adalah adalah thrift shopping, berburu barang-barang bekas (dan terkadang baru) dengan harga sangat miring di berbagai tempat. Di Lawrence, Kansas tempat saya tinggal, terdapat beberapa thrift stores, toko-toko yang khusus menjual barang-barang sumbangan dengan harga miring, misalnya jaringan nasional seperti Goodwill dan Salvation Army serta pula toko-toko lokal seperti St. John’s Rummage Shop dan Social Service League. Sebagian hasil penjualan barang-barang ini umumnya disumbangkan untuk program-program kemanusiaan seperti pengentasan kemiskinan dan pencegahan dan penyembuhan penyakit.

Akan tetapi, thrifting tidak hanya berhenti di thrift stores saja. Ada banyak kesempatan untuk berburu barang-barang murah dengan harga sangat miring di tempat-tempat lain, semisal di garage sale yang bisa jadi diadakan oleh perorangan atau komunitas pada akhir pekan. Garage sale jadi semacam kegiatan akhir pekan favorit bagi kami, berkunjung ke garasi tetangga yang menjual sebagian barang yang sudah tidak digunakannya lagi dengan harga sangat murah dan terkadang bisa ditawar.

Bisnis ritel di Amerika Serikat saat ini melesu dan thrifting menjalar ke toko-toko yang akan bangkrut. Toko-toko yang akan tutup ini umumnya melakukan liquidation sale, menjual semua aset dengan harga sangat miring. Salah satu jaringan department store yang sudah bangkrut di Lawrence adalah Hastings, yang sempat saya kunjungi pada bulan Oktober lalu sebelum tutup selamanya pada bulan November. Yang akan tutup berikutnya sepertinya adalah jaringan toko pakaian JC Penney, yang saat ini sedang melakukan liquidation sale.

Saya berusaha untuk tidak menyia-nyiakan kesempatan thrifting ini dengan mengoleksi musik dalam format CD. Mengapa CD? Tentunya karena CD lebih mudah ditemui di Amerika Serikat daripada kaset, yang banyak saya koleksi di Indonesia. Harga CD di thrift stores pun lebih bersahabat, umumnya berkisar hanya dari 50 sen hingga 2 dolar saja per CD, dan di garage sale bisa jadi malah lebih murah, bahkan untuk album yang bisa dibilang langka, setidaknya langka bagi saya yang tidak pernah menemukan album tersebut di Indonesia. Sebagai pendengar musik rock klasik, tujuan utama saya dalam berburu CD adalah album-album yang rock 60an dan 70an yang kerap dianggap klasik, tetapi saya pun terkadang juga membeli album-album yang menurut saya menarik atau punya nilai emosional dan nostalgik.

Saya pertama kali berburu CD di Hastings, toko yang saya sebut di atas, sekitar sebulan sebelum toko itu tutup. Seluruh koleksi CD diobral dengan harga mulai dari 80 sen saja. Berikut ini adalah beberapa CD yang saya peroleh di Hastings, selain juga beberapa DVD, buku komik, dan pakaian.

Blood, Sweat and Tears – Child Is Father to the Man (1968, versi rilis CD 2000)

IMG_20170607_142159_HDR

Album ini adalah salah satu album yang telah lama masuk ke dalam daftar album yang paling ingin saya miliki, dan saya menemukannya di Hastings dengan harga hanya sedolar saja! Ini adalah album pertama Blood, Sweat and Tears, band yang didirikan oleh Al Kooper yang awalnya populer karena suara organ yang ikonik di single elektrik pertama Bob Dylan, “Like a Rolling Stone”, padahal Al Kooper sendiri awalnya adalah seorang gitaris. Di Indonesia, Blood, Sweat and Tears dikenal pertama kali lewat lagu “I Love You More Than You’ll Ever Know” yang bluesy, single pertama dari album ini. Akan tetapi, album ini lebih dari sekadar blues dan suara organ Hammond. Ini mungkin adalah salah satu album rock paling eksploratif dengan sentuhan orkestra, blues, jazz, aroma psikedelik yang kental, dan seksi tiup yang integral (sebelum Chicago datang setahun kemudian). Ini adalah album yang unik dan mungkin terbaik dalam sejarah Blood, Sweat and Tears, karena setelah ini Al Kooper memilih mundur dari band yang didirikannya dan Blood, Sweat and Tears memilih jalur yang lebih komersial tetapi tidak pernah seinovatif ini.

King Crimson – In the Court of the Crimson King: An Observation by King Crimson 40th Anniversary Edition (1969, versi rilis CD 2009)

IMG_20170607_142133_HDR

Ia teriak karena disimpan di atas sprei polkadot.

IMG_20170607_142359_HDR

CD 2 dengan foto masing-masing personel di sebelah kanan

IMG_20170607_142430_HDR

CD 1 dengan lanjutan lukisan sampul depan di sebelah kiri

Ketika saya melihat album ini di rak Hastings, saya hampir berteriak, seperti lukisan Barry Godber yang menjadi sampul album ini. In the Court of the Crimson King edisi khusus 40 tahun, 2 CD, baru hanya seharga $1.78 pula! Ini adalah album yang cukup sulit didapat di Indonesia, yang ketika tersedia pun umumnya harganya cukup mahal. Bagi para pendengar rock progresif, ini adalah salah satu album pelopor dalam eksplorasi progresif. Ini adalah album yang tetap segar dan menua dengan sangat baik; putar “21st Century Schizoid Man” dan sulit untuk tidak mengira bahwa Tool, Porcupine Tree, dan Mars Volta terpengaruh oleh band ini. Hasil remix stereo Steven Wilson (ya, Steven Wilson dari Porcupine Tree) di edisi ini membuat album ini terdengar lebih segar dan detil. Bagi yang menginginkan pengalaman yang lebih dekat dengan versi tahun 1969, CD 2 berisi edisi master orisinil yang pernah dirilis sebelumnya pada tahun 2004.

Kula Shaker – K (1996, edisi CD pertama)

IMG_20170607_142103_HDR

K adalah album yang saya dengar dalam berbagai fase hidup saya sejak saya masih SMP (walaupun pada waktu itu saya masih belum bisa menikmati album ini sepenuhnya) lewat kaset pinjaman dari seorang teman sekelas, tetapi ini juga album yang tidak pernah saya punya dalam format apapun sampai saat ini. Ini adalah album yang masih saya nikmati sampai sekarang, terutama sejak saya membeli CD ini bulan Oktober lalu. Secara musikal, ini adalah rock Inggris (atau Britpop, terserah deh) psikedelik yang sangat bagus dan secara personal, ini adalah album yang penuh nostalgia.

New Kids on the Block – Step by Step (1990, versi rilis CD 2000)

IMG_20170607_142229_HDR

“I really think it’s just a matter of tiiiiimeee… Step by step, ooh baby, you’re always on my mind.”

Akhir tahun 1990 bagi saya adalah serial animasi New Kids on the Block di TPI pada Minggu pagi dan video klip “Step by Step” dan “Tonight” di malam hari. Di antara dua tayangan tersebut, saya biasa menghabiskan waktu bermain dengan teman-teman yang kerap berbaju gombrong ala Danny Wood atau Jordan Knight atau bertopi hitam seperti Donnie Wahlberg. Album pertama yang orang tua saya belikan khusus untuk saya adalah album Step by Step dalam format kaset. Walaupun kegemaran saya akan NKOTB tidak berlanjut hingga saya remaja, Step by Step menurut saya masih salah satu album pop terbaik pada masanya dan album boyband terbaik dari segi musik. Ketika saya menemukan album ini dalam format CD di Hastings, tentunya tidak ada pilihan lain selain membelinya (lagipula harganya hanya sedolar)!

Sampai jumpa di artikel berburu CD musik berikutnya dengan CD-CD yang saya temukan di thrift stores!

 

 

 

Does It Really Happen to You? To Me? To Chris Squire?

Prawacana

Di bawah ini adalah tulisan saya (yang bisa jadi akan sangat panjang) tentang album band Yes berjudul Drama, lagu-lagu kesukaan saya di album itu, dan semacam obituari untuk Chris Squire yang baru saja meninggalkan kita semua.

Sampul album Drama karya Roger Dean, salah satu sampul album favorit saya, terutama karena ada macan kumbangnya.

SATU

Saya pertama kali berkenalan dengan cabang musik yang acap disebut rock progresif (bapak saya dan teman-temannya menyebutnya art rock; ada juga sempalan lain yang menyebutnya musik nuansamatik, istilah yang enggan saya pakai karena terdengar lebih mirip sepeda motor daripada musik) pada pertengahan 90an melalui sebuah kaset non-lisensi lokal milik bapak saya (untuk tidak menyebut bajakan) keluaran Yess dengan judul album Yessongs oleh band Yes. Ketika saya berkenalan dengan internet beberapa tahun kemudian, barulah saya sadar bahwa sampul album ini tidak bersesuaian dengan isinya. Jadi selama ini saya sudah mengenali lagu-lagu yang saya dengar dengan judul yang salah! Ya ampun! Barulah saya sadar bahwa album yang saya dengarkan judulnya sangat bersahaja: The Yes Album yang merupakan album ketiga Yes (jadi dua album sebelumnya mungkin tidak dianggap album; entahlah). Pun pada waktu itu saya belum sadar bahwa Yes ini adalah band yang sama yang lagunya “Owner of a Lonely Heart” ada di salah satu kaset kompilasi New Hits of ’83 yang ada di rak yang sama.

Dari hasil mengacak-acak koleksi kaset bapak saya dan lapak-lapak kaset di pasar loak Cihapit, saya berhasil menemukan beberapa album Yes keluaran Yess, yang melibatkan empat formasi Yes yang di dalamnya ada orang-orang ini: Jon Anderson, Chris Squire, Steve Howe, Tony Kaye, Bill Bruford, Rick Wakeman, Alan White, dan Patrick Moraz (silakan susun sendiri formasi-formasinya dan terka album Yes apa saja yang saya miliki pada waktu itu). Kala itu, Yes adalah band pertama yang saya telusuri di internet dan patokan koleksi kaset saya adalah laman frequently asked question tentang Yes di alt.music.yes (sekarang sudah tidak ada dan diarsipkan di http://www.bondegezou.co.uk/amy_faq.htm) dan Yeshoo, mesin pencari berbasis Yahoo! khusus untuk segala hal yang berkaitan dengan Yes (mesin pencari ini juga sudah almarhum). Saya pun aktif mengikuti forum Yes resmi dan sempat mengeluh tentang album Fragile saya (keluaran Yess) yang tidak punya lagu We Have Heaven (reprise), dan akhirnya saya sadar memiliki album bootleg atau non-lisensi bisa jadi sangat membanggakan dan sekaligus memalukan. Sebagai pengagum suara surgawi Jon Anderson, saya pun turut mengoleksi beberapa album solo Jon, serta juga beberapa album Rick Wakeman, serta mengunduh beberapa lagu dalam format mp3 dengan bitrate rendah karena hanya itu yang mungkin dilakukan dengan koneksi internet yang disediakan oleh Centr*n atau Kosong Delapan Kosong Sembilan Delapan Sembilan Empat Kali. Pencapaian terbesar saya dalam kegemaran saya akan Yes saat itu adalah berhasil meracuni bekas teman sebangku (bekas sebangku, bukan bekas teman) saya sewaktu SMP dengan musik Yes.

Pola koleksi Yes saya yang berkisar pada era klasik Yes (1971-1976) mengalami perubahan signifikan ketika di penghujung 90an saya membeli (lagi-lagi di pasar Cihapit) Yes Greatest Hits keluaran King’s Records (yang kemudian dikenal sebagai label perilis kompilasi tembang kenangan) yang bersampul album Tormato yang pada waktu itu belum saya punya. Saya membeli Greatest Hits itu terutama karena banyak lagu yang berasal dari album-album Yes di akhir 70an dan awal 80an yang pada waktu itu sulit dicari (atau mungkin saya yang kurang getol mencari). Saya pun berkenalan dengan “Going for the One” (dari album Going for the One), “Madrigal” (dari Tormato), dan yang paling penting “Does It Really Happen” dari album Drama. “Does It Really Happen” adalah lagu terakhir di muka dua dalam kompilasi Greatest Hits itu, dan saya selalu senang bukan main dan puas sepuas-puasnya ketika menutup pemutaran kaset Greatest Hits itu dengan “Does It Really Happen.” Dari “Does It Really Happen” pula saya menelusuri bahwa Jon Anderson dan Rick Wakeman sempat keluar dari Yes setelah album Tormato dirilis. Duet The Buggles, Trevor Horn dan Geoff Downes, kemudian menggantikan mereka berdua, lalu kemudian jadilah album Yes pertama (kala itu masih album Yes satu-satunya) tanpa suara Jon Anderson. Saya pun kala itu baru tahu juga bahwa “Video Killed the Radio Star” adalah hit pertama The Buggles dan videonya adalah video musik pertama yang ditayangkan MTV (sebagai remaja akhir 90an saya selalu menyangka “Video Killed the Radio Star” adalah lagu band alternatip The President of the United States of America).

Perjalanan dari “Video Killed the Radio Star” The Buggles ke “Does It Really Happen” Yes adalah seperti perjalanan dari bumi ke orbit, musykil tapi logis. Di situ saya menemukan perpaduan dua generasi, dua era yang berkelindan dengan mesra. Saya menemukan bahwa Trevor Horn dan Geoff Downes adalah dua musisi dan pencipta musik jempolan, bukan semata “one hit wonder” dan bukan hanya sesumbar bahwa mereka adalah penggemar Yes sejati. Trevor Horn tentu saja bukan Jon Anderson yang suaranya gemerincing lonceng kahyangan. Geoff Downes juga bukan keyboard wizard yang permainannya cerewet seperti Rick Wakeman. Kendati demikian, kepribadian cair yang mereka suntikkan ke dalam Yes telah membawa perubahan dalam musik Yes, yang nantinya akan mempengaruhi arah musik band ini selama dekade 1980an.

Akan tetapi, hal terpenting yang saya sadari dari mendengarkan “Does It Really Happen” berulang-ulang adalah bahwa Yes bisa berjalan tanpa Jon Anderson, tetapi tidak tanpa Chris Squire. Musik Yes pada “Does It Really Happen” dikendalikan dan sekaligus dimediasi oleh permainan gitar bas Chris Squire. Betul, Chris memang agak pamer di lagu ini; riff utama lagu ini adalah riff gitar bas sederhana tiga not (bisa disebut dua not, karena not yang terakhir hanya berbeda oktaf dengan not kedua) yang mengalir dominan sepanjang lagu tanpa terdengar monoton, lalu dilanjutkan dengan refrain yang basisnya adalah melodi gitar bas, dan ditutup dengan solo gitar bas yang menurut saya keren (maklum waktu itu saya masih jarang mendengar solo gitar bas). Ini bukan berarti Chris Squire hanya mengendalikan lagu “Does It Really Happen” saja, tetapi ternyata ia sudah memainkan peran yang serupa selama ia bergabung dengan Yes. Hanya saja selama saya mendengarkan Yes, saya selalu teralihkan oleh suara Jon Anderson, glissando-nya Rick Wakeman, atau kelebatan (bisa kelebat-an dan juga ke-lebat-an) jari-jari Steve Howe di atas fret. Saya pun kembali mendengarkan The Yes Album, album Yes pertama yang saya dengarkan secara utuh, dan mencari Chris Squire di situ. Ternyata ia ada di situ selama ini, menjadi kemudi sekaligus jangkar setiap lagu, suara metalik tebal dengan selimut tipis distorsi yang membentengi setiap komposisi. Ia melakukan itu di setiap album Yes yang saya tahu! Saya pun kemudian meminjam album solo Chris Squire, Fish Out of Water, dari paman saya, dan ternyata Chris Squire melakukan hal yang serupa, bahkan lebih, di album solo pertamanya itu.

Hal lain yang saya sadari dari Fish Out of Water adalah bahwa Chris Squire adalah penyanyi dengan suara yang khas. Saking khasnya ia bernyanyi di lapis kedua, saya berani bilang bahwa Yes paling terdengar seperti Yes ketika Chris Squire ikut bernyanyi harmoni. Siapapun vokalisnya, seksi vokal Yes adalah seksi vokal Yes ketika suara Chris Squire masuk (para pemuja Jon Anderson, silakan benci saya sekarang). Tidak percaya? Silakan simak “Machine Messiah” dari Drama atau “Fly from Here” dari Fly from Here (dengan vokalis Benoit David). Akhirnya, saya harus berterima kasih sangat kepada Chris Squire karena ia bukan hanya mengubah cara saya menikmati musik Yes, tetapi juga mengubah cara saya menikmati musik secara keseluruhan; saya jadi menyadari pentingnya peran pemain gitar bas dalam suatu band, terutama band rock, dan membuat saya memiliki banyak idola baru: John Paul Jones, Geddy Lee, Gary Thain, John Wetton, Greg Lake, dan Tony Levin. Saya pun semakin sadar bahwa harmoni dalam aransemen vokal suatu band rock bukanlah semata pemanis, tetapi justru kerap menjadi bagian integral dari identitas sonik suatu band: bukan hanya pada Chris Squire dengan Jon Anderson, Trevor Horn, Benoit David, atau Jon Davison, tetapi juga pada Tony atau Yok Koeswoyo dengan Yon Koeswoyo sampai Rudy Schenker dengan Klaus Meine.

DUA

Pada awal tahun 2000an, selera musik saya bergeser seiring pergeseran status saya menjadi seorang pelajar universitas. Selepas mengalami kesulitan berpura-pura menjadi anak band, saya lebih mendalami pilihan saya untuk menjadi penggubah musik elektronik dan eksperimental. Lewat rekomendasi buku-buku dan teman-teman, saya kemudian lebih sering mengakrabi Brian Eno, Kraftwerk, Can, King Crimson era Discipline, Talking Heads, ditambah sedikit Joy Division dan Spandau Ballet (!). Saya masih mendengarkan Yes, tetapi cukup jarang  mendengarkan album-album “klasik” mereka. Playlist Yes saya isinya hampir selalu shuffle album Drama, 90125, dan 9012Live, ditambah beberapa lagu dari Going for the One dan Tormato. Ya, 90125 bukan album yang buruk. Saya serius.

(Bagian kedua masih akan disambung)

 

 

Harry Roesli dan Kisah-kasih di Kaset Kumpulan Lagu Partai PIB

???????????????????????????????

Ceritanya ini disclaimer: mudah-mudahan tidak apa-apa saya menulis tentang kaset yang ada bau-bau politiknya. Saya tidak bermaksud mengagungkan atau menjelekkan tokoh-tokoh tertentu atau partai dan pandangan politik tertentu. Saya mohon maaf apabila ada kata-kata saya di bawah ini yang menyinggung siapa saja yang merasa (pernah) terkait.

Salah satu karya rekam terakhir almarhum Harry Roesli (yang paling akhir kalau tidak salah ada di Jangan Pilih Politisi Busuk,setahu saya), yang  mungkin juga salah satu yang paling tidak disangka-sangka di dalam karir almarhum yang selalu penuh dengan kejutan-kejutan, tertuang di kaset ini. Setelah sekian lama menduga-duga aliansi politik Harry Roesli, akhirnya beliau berlabuh di Partai Perhimpunan Indonesia Baru (PIB) yang didirikan alm. Sjahrir, ekonom berpengaruh dan aktivis mahasiswa di masa kanak-kanak Orde Baru. Mengenai pilihan politik Harry Roesli, saya enggan berkomentar. Mungkin almarhum tertarik oleh ketokohannya Sjahrir, yang memang dikenal cerdas dan bersih. Selanjutnya, lebih baik saya berkomentar tentang album ini saja, yang sebenarnya adalah album yang dicetak dan diedarkan secara terbatas pada tahun 2003. Saya ingat keluarga saya memperoleh kaset ini setelah suatu kesempatan bersilaturahmi ke DKSB (mungkin di bulan Ramadhan di tahun itu atau mungkin kesempatan lain, saya lupa tepatnya).

Di album ini, Harry Roesli menyumbangkan dua lagu yang menurut hemat saya adalah lagu-lagu terpenting di album ini: “Hymne Partai PIB” dan “Mars Partai PIB.” Penting karena sepertinya para anggota PIB harus hapal kedua lagu ini. Hehehe. Mengenai per-himne-an, Harry Roesli memang tidak perlu diragukan lagi. Harry Roesli menciptakan himne untuk beberapa sekolah di Bandung, selain tentunya ia juga kerap menghasilkan lagu-lagu yang himnik dan antemik. Himne-himnenya terkesan megah, bahkan ketika dinyanyikan secara acapella sekalipun. Begitu pula kesan yang saya dapat ketika mendengarkan kedua lagu karya Harry Roesli di kaset ini, megah tapi tidak terkesan bombastis, dengan iringan musik yang minimal dan dinyanyikan sendiri oleh Harry Roesli dengan penghayatan yang mungkin hanya ia yang punya. Nah, di kaset ini karya-karya Harry Roesli berselang-seling dengan lagu-lagu karya… Obbie Messakh! Walaupun Harry Roesli dan Obbie Messakh tidak berduet di album ini, kapan lagi ada kesempatan mendengarkan keduanya dalam satu kaset yang sama (yang bukan mixtape tentu saja, walaupun saya ragu juga ada yang bikin mixtape menggabungkan Harry Roesli dan Obbie Messakh)? Dan, seolah tidak ada lagu lain, setelah “Mars Partai PIB” yang megah, Obbie Messakh melanjutkan dengan “Kisah-kasih di Sekolah” yang bikin saya bertanya-tanya hubungan lagu ini dengan partai PIB. Obbie Messakh juga menulis “Langgam Partai PIB” dan di side B ia mengaransemen ulang lagu ciptaannya yang dipopulerkan oleh Meggi Z., “Lebih Baik Sakit Gigi” dengan lirik refrain yang di-PIB-PIB-kan dan cukup bikin geli. Komposer ketiga yang terlibat dalam album ini adalah pianis Marusya Nainggolan, yang bersama Marusya Chamber Orchestra menyanyikan satu lagu ciptaan sendiri yang agak sedikit mengingatkan pada lagu-lagu tongue-in-cheek-nya Bimbo dan dengan bernas mengiringi Taufik Darusman (wartawan senior, penyair, kakaknya Chandra Darusman dan tentunya sepupunya Mogi Darusman), yang menyanyikan dua puisinya dengan suara yang seperti Chandra Darusman agak kurang latihan. Hehehe.

Berikutnya, seperti yang mungkin kita semua tahu, Partai PIB tidak memperoleh kesempatan menempatkan wakil di Senayan, tak lama kemudian Harry Roesli wafat, Sjahrir sibuk sebagai konsultan ekonomi pemerintah sampai ia wafat tahun 2008, dan Obbie Messakh pun semakin jarang berkunjung ke Bandung (dia punya rumah dekat rumah lama saya). Akan tetapi, kaset ini tetap jadi suvenir berharga bagi saya karena tiga musisi berkaliber (dengan kaliber masing-masing, tentu saja) berkumpul dan disatukan oleh satu pandangan politik yang sama, dan saya menikmati himne karya Harry Roesli sebagai himne terakhir yang ia ciptakan dengan segala ke-Harry-Roesli-annya.

Sebuah Jawaban: Favourite’s Group vol. 2

(foto menyusul karena saya sedang tidak di rumah untuk beberapa lama)

Saya menulis kembali di sini karena saya merasa perlu menceritakan ulang percakapan saya dengan mas Budi Warsito pada tanggal 14 Oktober 2014 lalu, dengan ditambahi bumbu-bumbu lain yang tidak ada di percakapan kami pada waktu itu. Percakapan diawali dengan sebuah pertanyaan penting dari Mas Budi, “Hehe, boleh dibagi di sini ceritanya, satuuu saja, kaset yg Bung Sandya sangat sukai, yg akan Bung sering putar dan jaga baik2 hingga akhir hayat nanti?”

Jawaban saya adalah kaset Favourite’s Group vol. 2, dengan side B album pertama AKA karena saya punya kenangan yang sangat panjang dengan kaset ini. Jawaban saya mungkin terlalu cliched dan mainstream karena biasanya orang-orang yang ditanya oleh Mas Budi selalu menjawab dengan album-album berat dengan nama-nama “susah” (mungkin karena beban pencitraan), sementara saya dengan enteng menjawab dengan sebuah album dari band pop Indonesia, yang ngepop banget. Untungnya saya tidak terbebani pencitraan sebagai seorang hipster kolektor kaset eksotik (memang bukan) dan jawaban saya jujur, seperti halnya si Eti.

Saya penggemar berat the Favourite’s Group sejak masih di bangku taman kanak-kanak. Setiap hari sehabis magrib saya selalu memutar kaset The Best of Favourite’s Group vol. 1 (produksi 1986 kalau tidak salah) dan ikut bernyanyi (terutama lagu ini: “Siapa yang berdosa? Tak dapat ku berkata. Siapa yang bersalah? Susah ditelaah. Mari kita, kita renungkaaan.”), tetapi sayang suatu hari kaset itu putus dan sebagian rekamannya terhapus karena tape JVC lama di rumah ngadat. Untuk menggantikan kaset itu, Favourite’s Group vol. 2 (yang sebenarnya sudah ada sejak saya belum lahir) inilah yang sering disetel. Setiap bepergian jauh, kaset ini selalu dibawa, seringkali karena keinginan saya, bukan keinginan bapak saya sebagai pemilik kaset ini, untuk mendengarkannya di perjalanan.

Sepertinya karena bapak saya tahu saya lebih suka Favourite’s Group daripada dia, kaset ini adalah kaset pertama yang dia wariskan kepada saya. Agak berat menerimanya karena saya tahu kaset Favourite’s Group vol. 2 itu adalah kenangan masa remajanya dengan teman-teman sekampung sebelum hijrah ke Bandung. Sewaktu bapak bereuni dengan teman-teman sekelompok teaternya di Losari, Cirebon, album ini pun diputar sebagai musik latar.

Menjelang awal tahun kedua di SMU (dulu begitu namanya), saya merasa perlu belajar bermain gitar sebagai bentuk aktualisasi diri seorang remaja (cieee). Lagu pertama yang saya ulik dengan gitar adalah “Creep”-nya Radiohead, dengan bantuan seorang teman yang mengajari saya bentuk kord minor. Lagu kedua adalah “Mimpi Sedih”-nya Favourite’s Group. Ini lagu yang kord-kordnya mudah, bahkan lebih mudah daripada “Creep,” tetapi megahnya (dan juga menye-menyenya) mengalahkan “Creep.” Dulu Pablo Honey dan kaset Favourite’s Group ini berdampingan. Pablo Honey entah ke mana, dipinjam dan tak dikembalikan lagi, tapi teman-teman sebaya saya tidak pernah ada yang meminjam Favourite’s Group vol. 2 ini. Lagipula mana ada remaja tanggung di penghujung milenium kedua yang mau mendengarkan the Favourite’s Group? Hampir semua sedang larut, entah dalam 13 atau Californication (atau sebagian kecil larut dalam Utopia, seperti teman sebangku saya. Hehehe).

Akan tetapi, lagu favorit saya di album ini bukan “Mimpi Sedih,” tetapi “Lagu Gembira” segera setelah “Mimpi Sedih.” Jadi, setelah bermimpi sedih lalu berlagu gembira. Cukup membingungkan. Ada gerakan-gerakan yang tidak diduga-duga muncul yang membuat saya sangat gembira (!) setiap mendengar lagu ini. Ketika saya belajar menulis dan mengaransemen lagu, baru saya paham ini sepertinya adalah kejeniusan A. Riyanto dan mungkin lagu ini adalah lahan eksperimennya. Di tengah-tengah lagu tiba-tiba ada progresi kord mundur per setengah not (sampai sekarang saya belum tahu namanya) yang dengan mulus sekali masuk ke refrain yang berirama ala “La Bamba,” tapi kemudian interlude-nya jadi terdengar murung karena nada dasarnya berubah jadi minor sebelum kembali ke intro yang ceria. Uniknya si La Bamba-La Bambaan itu tidak diulang setelah verse kedua, sehingga lagunya jauh sekali dari kesan norak dan klise. Progresi kordnya sinting, berbeda drastis dengan “Mimpi Sedih” dan memberi banyak pelajaran tentang bagaimana membuat lagu yang catchy dengan progresi kord yang cukup njelimet (kualitas yang saya temukan juga di karya-karya Yockie Suryoprayogo).

Di album Favourite’s Group vol. 2 ini ada pula sebuah lagu spoken words yang judulnya “Sajak untuk Seorang Gadis yang Sedih” dengan iringan musik pop instrumental orkestral ala 70an awal. Saya kemudian terpikir untuk membacakan kembali “Sajak” ini dengan latar musik yang sama sekali berbeda, elektrik dan sedikit industrial. Si spoken word “Sajak” ini ditulis oleh Is Haryanto, dan cemennya minta ampun. Sepertinya kecemenan inilah yang menjadi ciri khas Is Haryanto di kemudian hari. Hahaha. Karena waktu itu judulnya musik eksperimental, jadi saya bereksperimen saja menabrakkan musik elektronik yang mekanikal dengan sajak cinta cemen karya Is Haryanto ini. Maka kemudian jadilah rekaman elektronik lo-fi pertama saya. Rekaman ini kemudian dikirimkan ke kompetisi musik eksperimental pada tahun 2004, yang diselenggarakan oleh kolektif musik eksperimental Pemuda Elektrik (yang kemudian sebagiannya atau mungkin 2/3 atau 3/4nya kita kenal sebagai SL*T (Sungsang Lebam Telak)).

Bagaimana dengan lagu-lagu lain di album ini? Killers. Indonesian mainstream pop at my personal best. Semuanya diaransemen dengan ketat, eklektik, tidak terlalu manis atau gurih dan menurut saya malah lebih terpoles daripada album-album Favourite’s Group berikutnya. Di kesempatan lain saya akan membahas satu per satu ketujuh lagu lain yang ada di album ini, dan juga membandingkan lagu-lagu ini dengan album yang ada di sisi B, yakni AKA volume 1. Yang jelas, album inilah jawaban jujur saya dari pertanyaan yang diajukan mas Budi Warsito di awal percakapan kami. Jika Anda punya, dengarkan dan apresiasi kembali. Mungkin Anda akan menemukan bahwa Favourite’s Group (setidaknya di formasi pertama mereka) adalah a different beast altogether (susah nih diterjemahkannya).

Gotye – Making Mirrors: Memandangi Cermin-cermin, Mencerna Ragam

Artis:                     Gotye

Label:                    Sample ‘n’ Seconds Records, Universal Island Records

Produser:            Wally de Becker

Tahun:                  2012

Rekomendasi:    Eyes Wide Open, State of the Art, Smoke and Mirrors

Percaya atau tidak, saya mendengarkan lagu Gotye (dibaca seperti membaca nama Perancis “Gaultier”) “Somebody That I Used To Know” untuk kali pertama di radio di dalam sebuah angkutan kota yang lumayan lowong, sehingga lagu ini terdengar jelas dan lantang. Lagu ini sudah terkenal selama lebih kurang dua bulan pada waktu saya mendengarkannya pertama kali. Tentu saja pada awalnya saya tidak mengenali lagu ini. Intro dan bagian verse-nya justru mengingatkan saya pada lagu-lagu Peter Gabriel pada masa album 3 dan 4 (Security) antara tahun 1980-1982. Ketika sampai pada refrain, barulah saya mengenali lagu ini sebagai lagu yang pada waktu itu sedang banyak dibicarakan dan dinyanyikan kembali oleh banyak orang, tapi tak ayal bagian refrain ini pun mengingatkan saya pada cara Peter Gabriel umumnya mengawali refrain pada lagu-lagunya. Sesi pertama mendengarkan di angkot ini membuat saya penasaran.

Sepertinya saya tidak perlu bercerita lagi mengenai bagaimana “Somebody That I Used To Know” menjadi “modern and instant classic” dan bagaimana Gotye menjadi selebritas YouTube. Saya justru tidak terlena untuk menyaksikan puluhan, mungkin ratusan, versi lain dari “Somebody That I Used To Know” yang bertebaran di YouTube. Saya justru mencari lagu Gotye lain dan mendapati “Eyes Wide Open,” single pendahulu “Somebody That I Used To Know” yang tidak setenar penerusnya. Pada awalnya saya mengharapkan lagu-lagu yang senafas dengan “Somebody That I Used To Know,” tetapi ketika mendengar “Eyes Wide Open,” ternyata Gotye menyuguhkan sesuatu yang berbeda: video yang canggih (tidak seperti video “Somebody That I Used To Know” yang minimalistik) dan tempo cepat dengan irama serta melodi yang terdengar seperti lagu pop 80an tetapi juga pada saat yang sama mengingatkan pada Keane (!).

Pamer CD-nya ah… Biar keliatan beli, bukan ngunduh.

Ketika akhirnya saya memutuskan membeli album Making Mirrors, yang saya harapkan adalah menemukan keragaman yang mengisi kutub antara “Somebody That I Used To Know” dan “Eyes Wide Open.” Saya sebenarnya cukup senang karena keragaman itu saya temukan ketika pertama kali mendengarkan CD Making Mirrors. Hanya saja, seperti yang banyak dikatakan ulasan-ulasan sebelumnya, album ini memang kekurangan fokus. Sepertinya, Gotye lebih tertarik untuk bereksperimen di setiap lagu daripada mengikuti sebuah konsep yang ajeg. Alhasil, lagu-lagu dalam album ini beragam, walaupun hampir seluruhnya menunjukkan eksperimentasi bebunyian yang dikumpulkan oleh Gotye, baik yang ia mainkan sendiri, berasal dari sample, dan bahkan berasal dari instrumen yang tidak konvensional seperti Winton Musical Fence, pagar sungguhan yang disetem sedemikian rupa sehingga bisa digunakan untuk bermain musik.

Album dibuka dengan senandung “Making Mirrors” yang minimalis dan singkat (hanya semenit), dilanjutkan dengan “Easy Way Out” yang menohok dan lumayan berenergi. Lagu ini langsung segue (bahasa Indonesianya apa ya) ke “Somebody That I Used To Know” yang menampilkan Kimbra dengan porsi yang sangat pas. Setelah itu ada “Eyes Wide Open” yang sejauh ini merupakan lagu favorit saya dari album ini. Lagu-lagu lain cukup menarik, walaupun arahnya agak sedikit sulit ditentukan. “Smoke and Mirrors” rif Wurlitzer-nya cukup nyangkut dan agak terasa seperti Pink Floyd tahun 80an, tapi “In Your Light” terlalu terdengar seperti musik pop hari ini. “Save Me” terdengar, sekali lagi, seperti Keane (dengan energi dan struktur lagu yang mirip) tapi dengan vokalis yang register suaranya lebih tinggi. Sementara itu, “Bronte” justru ngelangut, dengan suara Gotye yang lamat-lamat. Lagu “I Feel Better” malah menghentak seperti single-single upbeat Motown, walaupun upaya untuk mereplikasi gaya rekayasa dan produksi Motown yang riuh agak meleset, sehingga pada beberapa titik (terutama pada rif brass section) lagu ini terdengar terlalu bising dan beresiko memekakkan telinga apabila didengar dengan volume tinggi.

Banyak yang mengeluhkan “State of the Art” sebagai lagu yang paling tidak berterima dan bahkan lagu terburuk di dalam album ini. Lagu ini memang cukup aneh mengingat di 11 lagu lain, Gotye menjelajahi jangkauan vokal yang luas dengan suara yang menurut saya cukup memincut. Akan tetapi, di lagu ini ia menutupi suaranya dengan berlapis-lapis efek vokal autotune dan vocoder yang ditingkahi irama reggae elektronik ala tahun 80an. Akan tetapi, menurut saya di lagu ini justru Gotye tidak ingin suaranya dianggap terlalu serius. Dengan lirik yang bercerita tentang kemajuan teknologi digital dalam musik (The marriage of music to computers is quite natural), saya menengarai adanya sindiran dan ironi yang disengaja di lagu ini, yang sebenarnya menurut saya cukup brilian: Gotye menyindir kemajuan teknologi digital dalam musik tetapi dia sendiri menggunakannya dengan sadar, bahkan seluruh alat musik dan teknologi yang ia sebutkan di dalam lirik, semuanya digunakan dalam proses perekaman lagu ini(!)! Gila.

Album ini cocok sekali untuk mereka yang mengharapkan gabungan karya-karya yang eklektik yang semuanya berasal dari pikiran seorang Wouter “Wally” De Becker, nama asli Gotye, yang menunjukkan bahwa ia bukan hanya seorang penyanyi, tetapi juga penulis lagu yang versatile, penata musik, dan musisi multi-instrumentalis. Album ini seolah berisi cermin-cermin yang merefleksikan citra Gotye yang berbeda-beda, yang diwakili oleh lagu-lagu yang beragam dengan corak eksperimentasi yang beragam pula. Menarik untuk ditunggu pada cermin (-cermin) manakah Gotye akan berkaca pada album berikutnya. YA!

D-2/7 09152012